Musical dictionaries and positions
Many years ago I had a friend in college who was a preacher-preacher of the abstract artist Mark Rothko. I remember how she squished over the catalog of Rothko's work, although I thought I needed to aesthetically challenge; I just did not "understand" him. In the end, most of the paintings were nothing more than large rectangles of color, with small irregularities and a contrasting frame or stripe. All the familiar landmarks of the line and shape, perspectives and shadows have disappeared. I could rate them as “design,” but not as “art.” While they were pleasant enough, I could not understand why someone would fork over these abstractions ... until the first time I saw them personally for myself - a completely different experience! When I interviewed them at the Museum of Modern Art, they literally stopped me on my tracks, undermining my conscious thought and immediately plunging me into an altered state. They were not just flat canvases on the wall, but rather like living beings, pulsating and pulsating in resonance to a wavelength that had a fundamental connection with the Source of things. I was stunned. They did not “express” the feeling - they were more like feelings, and they seemed to me nothing personally, neither Rothko nor anyone. When I later looked at the reproductions of Rothko's works in books, they returned to flat color samples. It was a memory, but there was no pleasure from my experience. It was an experience that depended on having an original artifact ( art: fact ).
Tone is not tone
I spent my early musical life, working mainly with music, which used - as the visual arts - a set of familiar musical agreements to create my effect. There are many dictionaries of melody, counterpoint, rhythm, harmony and structure that put music in the context of a form, which makes it understandable to listeners. “Comprehensive” does not necessarily mean what I mean - it means that music conveys only intellectual ideals, whereas in fact it conveys and expresses a whole range of ideas, feelings, sensations and associations. But there is an element of “intelligibility” of ordinary forms of music, which depend on a common formal vocabulary of expression. There are familiar elements that listeners use to consolidate their experience in real time with compositions, formal or sound elements, which are borrowed from other works created and recorded in the past. When I find myself humming a melody from Beethoven’s symphony or referring to one of its characteristic rhythms (dit-dit-dit-DAH), I reduce the sophisticated sound tapestry to an abstraction, an abbreviation that is easily recognizable to others familiar with Music. I can share a musical idea with other musicians using the notation abstraction. But “melody” is not “tone”, but “note” is not “sound”. This is an idea, even a powerful idea, but when I find myself singing a melody, I know that I somehow “absorbed” the music, reduced it to a subset of my conventions, deconstructed and reconstructed it for my own purposes,
Ambient music and, in particular, the type of ambient music, which I will call the “sound stage”, leave or at least weaken many of these conventions. In general, as a rule, there is usually no fragile melody, often non-repetitive rhythmic pattern, and if there is a larger “form”, it is usually not familiar or identifiable, even for astute musicians - it can be completely idiosyncratic for the composer. Even the vocabulary of “tools” is fluid and too large to be borne in mind. With the abundance of sounds that are generated or created electronically and controlled by field recordings, it is rare to identify shared or recognizable instruments or sounds, that is, “be called.” At the end of the nineteenth and early twentieth-century classical composers, they worked to try to erase the usual boundaries of individual instruments, using unusual instrumental combinations and advanced instrumental methods for blurring sound lines. Ambient music takes it even further. The sound palette of the surrounding composers is more diverse and less prone to “name” than a composition that uses ensembles of traditional instruments to present their compositions. While a scientist can identify a sound source associated with a particular mode of generation (analog, FM, sample manipulation, etc.), Diffuse mixing and morphing of sounds can confuse even experts.
Virtuosity virtuosity
Much of the virtuosity of a musician - often an important element in other musical genres - is replaced in the world of world music by the composer's art in creating and shaping sound. Slow tempos are common, and arpeggiators and sequencers largely eliminate the need for surrounding musicians to develop complex keyboard skills. Difficult and fast sequences can be generated, which challenges the abilities of even great performers. Although it is true that many ambient musicians do perform in real time, most do not. Even the “performance” notice largely disappears. Most soundscapes are recorded as works; they are not reproduced in real time by the performers on the stage. More technical knowledge is needed in the field of sound equipment and software, but in the end, it becomes invisible to the listener, falling under the sound artifact of the music itself.
Mixing sound in the studio allows surrounding composers to freely manipulate and place sounds in the stereo field, without requiring a spatial representation of the virtual performing ensemble. These elements become part of the composition, while in other genres of music, blend - where it can be controlled - is an improvement or a special effect rather than a compositional feature. Some ambient composers do not even separate the mixing process from the composition. For example, I try to blend, since the dynamics, effects and placement in the stereo field are integral features of my compositions.
Furniture music
I mention these elements of ambient music because they have implications for how we can approach the genre as listeners. I do not want to say that there is only one narrow “way” to hear ambient music. In fact, part of the wealth of the genre is that it lends itself to various listening approaches. In fact, one of the popular ways to listen to ambient music is basically to ignore it. This is what I can call an environmental approach. Here the sound is processed - in the iconic words of Eric Sati - as “furniture music”. He plays, most likely, at a very low level, in the background, while the “listener” is about his business in the environment. Musak, or “lift music,” was an early institutional, if immodest, form of environmental music. In public settings, environmental music usually has some plans behind it; it can be designed to make people linger in space or even leave (classical music games as a sound “weapon” for dispersing groups of teenagers). This may be intended to reassure people or make them spend more free time (research into the effectiveness of this tactic is unconvincing). Reva has a “cold room,” where overly stimulated ravers can mentally cool down or calm down. Some hospitals are beginning to use ambient music to create a soothing environment for the recovery of patients.
In the home environment, the environment is selected and regulated independently. In our house we have a number of recordings that are often used to listen to the environment. My partner prefers a CD with the sounds of rain, the chiming clock and Tibetan bells. She often uses this sound terrain while she draws. The choice of music for this purpose is important. Her favorite CD has no progress - no beginning, middle or end. There are no interesting developments, themes or dramatic sound interruptions. He is deprived of rhythm, melody and harmony. He effectively “freezes” (or sometimes the word “liberates”) time in the eternal present moment and helps to create for her — an environment that is particularly conducive to her artistic practice. In my own case, I use various soundscapes as the environment for my ti-chi practice. As a rule, there is a little more rhythm and flow to the sound tapestries that I will choose for this purpose (this seems to make movement easier), but I avoid too much interest in music for t & amp; ai chi, because I want to focus on my breathing and movement.
Meditation Music
Some people use ambient music for meditation, and this describes her own discussion. Many people who start meditating first are embarrassed to find out how much mental chatter or “noise” is generated by the “monkey mind”, which is the default awakening state of human consciousness. Attempts to suppress an endless stream of thoughts were not only fruitless, but even counterproductive, because they add an extra layer of mental activity. For some people, calm, relaxing music calms an overactive mind, at the same time calming the body and attracting spaciousness, without requiring special techniques. Admittedly, much of what is commercially sold as “relaxing” music is nonhumans and saccharin; This, of course, does not help me to relax. For a more demanding listener, artistic value should be a criterion for "relaxing" music. I may be too self-confident in this, but for me there is a clear distinction between “conscious” and “meaningless” music. While the kiosks of department stores featuring harp and sea sounds may appeal to the masses, I rarely find a lot of stuff for these sound candies; there is a much better choice to create an atmosphere conducive to a relaxed and flexible mind.
Brain wave
When looking for music for meditation, consider a rate of 60 beats / min or slower, as the heart rate tends to naturally entice the financial pace, and a low resting pulse is desirable for entering meditative states. Also consider music that uses binaural beats. They are usually created with difference tones in the left and right channels and can gradually and subtly guide the brain to relax in lower frequency brain waves, from the usual waking consciousness (beta waves: 14-40 Hz), to a relaxed or even trance (alpha -wave: 7.5-14 Hz). In brain waves below 7 Hz, you just sleep. Binaural beats are based on the idea of capturing the brain, straining the brain to synchronize with the reference frequency. Binaural programs may also indicate sleep, and for this purpose there is ambient music.
Music, heavy in the low-frequency range, can activate scary or exotic states for some people, so for such people it is best to choose music for meditation, which is richer at medium and high levels, or more evenly balanced in the frequency range, For a soothing “sound bath” Some people like to roll back bass frequencies with a stereo tone control. And for sure, if you plan to use ambient music for meditation, it should be played on a small level; Let it fit into the sound landscape of everyday life - the whistling of traffic, the occasional barking of dogs, etc. Let it be an element in the sound landscape, rather than transfer it. This can help with practical attention to the moment. For musicians, meditation music can actually add an element of distraction since the mind is involved in musical ideas. For this reason, I personally do not use music for meditation. I prefer to just sit in a securely calm space and allow any environmental sounds that may be present, without (hopefully) naming or interpreting them.
Music for massage and acupuncture
Massage and acupuncture treatment can be extended with ordinary music, and many of the same recommendations apply here. I recommend you bring your music to these classes if possible. Practitioners may or may not share your taste, and almost nothing is worse than listening to some chatty chatter when you try to relax. I collected a few mixes for massage, and I usually have a form for them that helps me to calm down and relax with something calm and scattered first, and then something more rhythmic, as the massage therapist works on problem areas, but then, at the end, a very spacious section in which I can completely disperse, and allow my body to enjoy the effects of the massage. This is my personal preference; If you want to create your own massage mix, you should find a combination that suits you.
Immersive audition - headphones or speakers?
This leaves one last kind of listening that I would like to discuss: deep listening, listening to ambient music as a form of musical art. Here you give to plunge into the sound and give it all your attention. First question: headphones or speakers? For both, there are pros and cons. Headphones are preferred by many surrounding listeners for various reasons. First, they isolate the music from the sounds of the environment, especially if the headphones have a noise canceling function. Secondly, and, more importantly, they emphasize the width of the stereo field and allow you to clearly hear the effects of panning (moving from left to right or right to left), which are sometimes very characteristic features of ambient music. Most of the composers' emblems are likely to be mainly combined with high-quality near-field monitors, but they almost everywhere thoroughly test mixing with headphones for stereo placement and movement of sounds.
The most popular types of headphones are closed cups, open cups and earbuds (earbuds for the ears). Ear buds are cheap and easy to move. They are most often used with iPods or other MP3 devices. Since they are inserted directly into the ear canal, they should be used with extreme caution and only at low volumes to protect the ears. The low frequency response is bad and subject to distortion. Some people, including me, find them uncomfortable and cannot use them. For travel or use in the waiting rooms, I prefer a lightweight earpiece with over-ear.
Headphones with closed cups reduce environmental noise, especially with noise cancellation. Make sure that if you decide to use noise absorbing headphones, make sure that the function really works. Some claims are exaggerated. Some headphones with a closed cup can be inconvenient for longer listening sessions, to make sure that any headset that you consider to be the buyer is suitable for you, not too heavy, and you do not feel that your head seems to be the type. The reduction of the closed cup is that the frequency response of the low frequencies may be limited — without a port to avoid compression (sound), the production of low frequency sound may not be sufficient. Partly in the nature of headphones, low frequencies will not be well represented. It simply takes a larger cone to create low-frequency sounds and distances for their development (the lowest audible frequencies are a few feet). One alternative strategy is to use headphones with open tea in combination with speakers in the room, especially if there is a subwoofer. Thus, the lows rise, both through the open ports in the headphones, and through the body.
The most exciting listening environment that I experienced was on the “sound-board table”, where sound vibration penetrates the ears and directly through the body using sensors embedded in a soft surface. For sound healing, this may be the ultimate technology. But most of us (including me) do not have regular access to this technology.
A cheaper alternative to a sound desk is to lie comfortably on a sofa or on pillows with loudspeakers with a bookshelf placed on one or two legs from each ear; It’s like having a pair of huge open-ear headphones! Thanks to this arrangement, you immerse yourself in sound without putting pressure on your head or ears when wearing headphones, and the bass is less compromised. Экспериментируя с различными конфигурациями динамиков, я обнаружил, что размещение динамиков немного выше и позади головы дает особенно приятный звук.
Форматы записи
Некоторые слушатели могут предпочесть схему «объемного звука», хотя трудно найти много музыки, специально закодированной для этого формата. Звук объемного звучания на самом деле не увенчался успехом для серьезного прослушивания музыки. Это печально, поскольку, помимо доступности истинного воспроизведения 3D-звука, 24-битный объемный формат DVD обеспечивает превосходную четкость и более практичный динамический диапазон. В то время как коммерческие настройки объемного звука популярны в домашних развлекательных центрах, они в основном используются для просмотра фильмов. Некоторая музыка была специально закодирована для окружающих систем - большая часть из них, оценки фильмов, поскольку они были уже закодированы для объемного звучания в первую очередь.
Но похоже, что, по крайней мере, для настоящего и ближайшего будущего, большинство слушателей будут работать с 16-битными стереосистемами, и почти весь выпуск современных композиторов окружающего мира отформатирован для этого воспроизведения. Низкий уровень громкости многих записей окружающего звучания означает, что верхние бит 16 бит-записей часто не используются - компромисс, который удаляет их из одиозных «громких войн» популярной музыки, но также ограничивает разрешение по битам. Сжатие с помощью коэффициентов кодирования MP3 для «сглаживания» записей и искажения низких частот. Прислушиваясь внимательно, можно часто слышать перекос или другие артефакты, введенные сжатием. Несмотря на необходимость потоковой передачи, я считаю, что большинство записей непоправимо повреждены при кодировании с битрейтом ниже 320 бит / с. (Я надеюсь и верю, что в 24-битном формате FLAC будет доступно больше альбомов. Хотя это еще не практично для потоковой передачи, этот формат обещает обеспечить запись превосходного качества звука, хотя и более продолжительное время загрузки.) Просто потому, что рок и поп-слушатели которые загружают свои записи в iTunes, возможно, отказались от верности аудио, это не значит, что мы должны! Можно сказать, что эмбиентная музыка, в частности, описывает лучший звук.
Иммерсивное прослушивание - внимание и процесс
Что касается места, где нужно обратить внимание на захватывающее прослушивание, хорошая эмбиентная музыка предлагает множество возможных набегов. Если музыка основана на беспилотных летательных аппаратах, вряд ли будет много гармонических движений, поэтому ухо будет более склонно к взаимодействию с текстурой и атмосферой. Дроны, часто состоящие либо из основного тонического тона, либо из корня и пятого комбинированного, закрепляют кусок и обеспечивают задний фон для растяжения и высвобождения других тонов, поскольку они поочередно отрываются от беспилотного дрона или отступают к нему в созвучности , Мелодические и ритмические компоненты являются необязательными элементами в эмбиентной музыке и, как правило, претендуют на одностороннее внимание при наличии. Они подчеркивают время над пространством, поскольку мелодичные фразы похожи на музыкальные предложения, причем начало, среднее и конечное и ритмы делят время на периодические единицы. Очень мелодичная пьеса требует более пристального внимания, тогда как чисто атмосферный фрагмент может позволить слушателю исчезать и исчезать. Мне нравятся оба типа эмбиентной музыки, и, хотя мои собственные пьесы мелодичны, я создал не мелодичные композиции.
Я уже упоминал о творческом использовании стереопространства окружающими композиторами, и как только мне понравилась стратегия, чтобы визуализировать сферическую область вокруг моих ушей и передо мной, которую я отслеживаю, когда они возникают и рассеиваются в этом поле. Умелое использование динамики, задержки и реверберации и эквалайзера позволяют окружающим композиторам создавать яркие трехмерные иллюзии, и, как слушатель, мне нравится привлекать внимание к размещению звука и движению в стерео поле как неотъемлемый элемент композиции. Между боковым расположением звука между правым и левым каналами можно прослушивать «высоту» звуков в стереофоническом поле, так как ухо устанавливает более высокие частоты «выше» и более низкие частоты «ниже». Можно также заметить расстояния звуков, наблюдая, как некоторые присутствуют и закрываются, а другие отходят на расстояние. Также интересно заметить, как звуки реагируют в воображаемом пространстве. Эмбиентная музыка, как правило, очень тяжелая реверсификация, воспринимаемый контейнер для звука часто кавернозный. Позволяя уху следить за звуком, как он эхом в виртуальном пространстве, а затем постепенно исчезает, может создать яркую ментальную картину размера звуковой сцены.
Окружающая музыка также богата звуками, которые развиваются в тоне с течением времени, используя различные эффекты морфинга и фильтра, которые делают индивидуальный звук в его собственном путешествии. Прослушивание изменений гармоник в звуке, особенно в верхних частях, определяющих тембр звука, является полезным упражнением в осознанности звука, который раскрывает интересные детали в куске.
Ambient composers могут вызывать любое количество типов гармонических палитр в своей работе. Некоторые тонкие произведения чисто тональные или триадные, даже полностью диатонические (с использованием только семи тонов масштаба), в то время как произведения могут использовать расширенные гармонии, в том числе экзотические масштабы, битоновность (одновременное звучание вреда в разных клавишах), квартальная гармония (основанная на четвертых вместо третьего) и даже полная атональность (без «домашнего ключа»), но равное участие всех двенадцати тонов. Тюнинг, который выводит слушателей из знакомых западных равных масштабов, может открыть прекрасные звуковые перспективы. Прослушивание гармонической «специи» «Это отличный способ войти в эмбиентную часть, которая может включать творческое использование тональности и настройки. Переизлучение может даже мешать полностью оценить окружающий состав и слушать их, может открыть ухо и увеличить одно и то же, Персональная связь с музыкой.
Много эмбиентной музыки имеет сильный визуальный компонент, по крайней мере для меня. Неудивительно, что многие эмбиентные композиторы также являются визуальными художниками или, по крайней мере, в формах визуального искусства - как и я. Хотя у немногих композиторов или слушателей может быть истинная синестезия (видение музыки как цвета или формы или цвета как музыкальные тона), практика визуализации во время прослушивания открывает много связей между чувствами и может обогатить опыт. Некоторые части имеют сильное чувство «истории», и писать или рассказывать историю, которая возникает из опыта прослушивания музыки в атмосфере, может быть прекрасным способом передать ваше видение части другим. Также интересно экспериментировать с прослушиванием с открытыми и закрытыми глазами. Для меня это очень разные переживания. Я нахожу, что, ограничивая визуальный сенсорный ввод, мой слух становится более острой, и я могу заметить гораздо больше, что могу, открыв глаза. С другой стороны, есть замечательные видеоролики, сделанные для сопровождения эмбиентной музыки, которая стоит изучать. Мультимедийная презентация также может представлять собой один из наиболее жизнеспособных мест для эмбиентной музыки в концертном зале. Аудитории могут не воспринимать чисто записанную музыку как «производительность», но добавление визуальных эффектов создает более полный «живой» опыт.
В жанре эмбиентной музыки есть замечательное разнообразие стилей, начиная от музыкальной музыки New Age и заканчивая очень темной индустриальной шумовой музыкой. Я стараюсь как можно больше пробовать, учиться и ценить разнообразие этого растущего жанра. Удивительно быть частью этого все еще нового формата, как композитора, так и слушателя.
